Memento pratique du photographe

Série de conseils abrégés pour prendre de belles photographies

📷 Appareil photo Fujifilm x100v

Aide mémoire à l'usage du photographe

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1- Préambule
2- Réglages de base
3- Styles de photographies
4- Astuces pour le portrait
5- Photos de famille spontanée ou reportage sur des gens en action
6- Photos en noir et blanc
7- Astuce pour la retouche

Préambule

La vérité est qu'aucun appareil photo ne rendra toute la tonalité des couleurs et des jeux de lumière que perçoit l'œil humain. Nous sommes toujours déçus du résultat, car il est loin de la réalité de ce que nous avons vu.

Il s'agit d'un malentendu : on ne reproduit pas la réalité, mais on écrit (graphe) avec de la lumière (photo).

Quoi qu'on fasse, on simplifie et aplanit une réalité en trois dimensions pour une vue en deux dimensions et, au même instant, on fige une courte quantité de temps. Le photographe doit bien connaitre les limites techniques de la prise de vue (plage dynamique, contraste, lumière, définition, contexte, deux dimensions, temps figé). En effet, l'esprit est troublé par ce déséquilibre entre ce qu'il voit (une petite image plate) et ce qu'il aimerait voir (une large vision animée), et cherche à compenser les manques par tous les moyens. S'il n'y arrive pas, cela provoque un sentiment d'insatisfaction. Pour contenter l'œil du spectateur, la mission du photographe est de combler ces anomalies grâce à un artifice stylistique et à la composition. Le rôle de la composition est de rééquilibrer une image imparfaite pour créer une émotion esthétique ou raconter une histoire.

Pour le débutant et l'expert : prendre une des règles, s'exercer et la répéter jusqu'à la maitriser.

Réglages de base

1- Parfaitement exposer son sujet, celui au centre de l'attention. L'exposition et la lumière sont les premières choses à contrôler avant le cadrage et la mise en scène. Vérifier la présence de zone de hautes et de basses lumières avec l'histogramme, les motifs zébrés ou autres techniques d'affichage de ces surfaces. Ajuster la parfaite exposition de la zone intéressante de l'image (celle où on veut garder tous les détails) et éviter sa sur- ou sous-exposition.
2- Régler ces trois paramètres dans cet ordre : l'ouverture du diaphragme (pour faire entrer plus ou moins de lumière ou maitriser la profondeur de champ), la vitesse d'obturation (pour une scène nette ou flouter un mouvement), la sensibilité du capteur en ISO (le plus bas possible pour générer le moins de bruit et le plus de netteté).
3- Prendre le contrôle de la luminosité avec la compensation d'exposition, ceci afin d'augmenter ou de réduire la clarté par rapport à ce que l'appareil photo propose.
4- Employer la priorité à l'ouverture pour flouter l'arrière-plan, pour délimiter le centre d'attention des personnes.
5- Utiliser l'ouverture à F8 pour obtenir une image de qualité nette en toute circonstance, pour photographier un groupe de personnes qui n'est pas à la même distance.
6- Photographier les paysages nets sur toute la distance avec l'ouverture la plus élevée possible comme F11.
7- Se servir de la priorité à l'obturateur pour rendre nets ou flous des photos avec du mouvement, comme l'eau, des véhicules, des personnes se déplaçant.
8- Varier l'ISO selon la lumière pour figer un mouvement ou générer un mouvement flou avec un fond net (par exemple : un décor urbain figé avec des passants ou des voitures flous).
9- Pour des photos nettes : bien bloquer son corps et saisir la caméra à deux mains avec les bras contre son buste. Prendre les photos en rafale ou avec un retardateur pour faire disparaitre la pression sur le déclencheur. Utiliser une vitesse d'obturation rapide (supérieur au double de la focale de l'objectif en équivalent 35mm), par exemple 1/60 à 35mm ou zoom ×1 (mais 1/125 est préférable), 1/125 à 50mm ou zoom ×2, 1/250 à 110mm ou zoom ×4. Connaitre l'ouverture du diaphragme de l'objectif sur l'appareil photo qui apporte le plus de netteté (souvent autour de F5,6 et F7).

Styles de photographies

Le style dépend de l'approche du photographe. Il façonne une image soit pour son esthétisme et créer une émotion artistique, soit pour son aspect documentaire en racontant une sorte d'histoire, soit un peu des deux. Il s'agit de concevoir une représentation visuelle d'une scène (non de reproduire la réalité) qui nous apparait comme un abrégé ou un éclat du monde, afin de la communiquer aux autres avec une expression ou une réalisation singulière. Les notes ci-dessous présentent des raccourcis qui servent de base à une composition qui a prouvé son efficacité à défaut d'être originale.

1- Pourquoi je veux capturer cette image ? Qu'est-ce qui m'attire ? Qu'est-ce que je veux que le public pense ou ressente de cette photo ? Donc, je me focalise sur cette inspiration et j'applique les styles et techniques pour donner corps au sujet. En général, une bonne photographie se compose de quatre marques qui se combinent avec cohérence : le sujet, le moment, la lumière et le décor.
2- Prendre des photos simples. Remplir le cadre avec seulement ce qui est intéressant, utile et pertinent. Mettre en avant l'aspect ou l'élément le plus évident et le plus essentiel de la photo, sans tenir compte de l'environnement. Le public ne sait pas ce qu'il ne voit pas.
    Utiliser la prise de vue par le dessous vers le haut pour photographier le sujet, avec un fond le plus sobre et uniforme possible, cela dramatise le sujet, une impression de dominance et de pouvoir.
    Flouter l'arrière-plan pour rendre la photo dépouillée, en agissant par exemple sur la priorité à l'ouverture.
    Se rapprocher du sujet au maximum pour révéler une vue simple et intime.
    Faire très attention à l'arrière-plan qui ne doit pas distraire le sujet (un élément derrière la tête, une texture, une couleur, un motif distinctif et non flou).
    Se focaliser sur le sujet qui possède une couleur qui tranche avec l'ensemble, et isoler cette couleur du reste du plan.
3- Utiliser le mode de prise de vue en rafale pour obtenir la bonne image d'un sujet en mouvement.
4- Trouver des motifs, des éléments qui se répètent (même forme, même dimension, même couleur) et les mettre en valeur par des effets de perspective ou de lumière. Toujours photographier ces éléments répétitifs par un chiffre impair. Le résultat est mieux quand ce motif répété, qui remplit toute l'image, est interrompu par une forme, une dimension, une couleur, un contraste différent… Quand les éléments qui se répètent ne sont pas à la même distance, les photographier avec un zoom pour aplatir les profondeurs et une ouverture entre F8 et F11. Essayer de faire ressortir un angle, une ligne droite, une perspective avec le motif répété.
5- Prendre des photos d'un sujet net avec l'arrière-plan flou pour évoquer une impression de mouvement et de vitesse du sujet. Pour cela, la caméra doit suivre la trajectoire et la vélocité du sujet. Cela fonctionne mieux avec une faible lumière et une mise au point manuelle.
    Utiliser la priorité à l'obturateur la plus lente
    ou une ouverture la plus ouverte pour un arrière-plan encore plus flou. Avec un ISO bas et une ouverture élevée au-dessus de F8 et F11, la vitesse d'obturation est lente car il y a moins de lumière qui rentre.
6- Tirer profit des rayons de lumière comme s'il y avait un gros projecteur de lumière naturelle (entre deux bâtiments, au soleil couchant…) ou utiliser une intense réflexion de la lumière sur un mur pour photographier le sujet et l'arrière-plan de manière scénique. Il faudra probablement sous-exposer la photo pour garder le sujet correctement exposé au soleil.
7- Afficher sur l'écran une grille ou des lignes pour s'aider à bien placer le sujet ou attirer l'attention. Poser les points d'intérêts aux intersections de la grille des tiers ou grouper les éléments sur les lignes horizontales ou verticales des tiers. La règle des tiers est à suivre simplement comme un point de départ, car le reste des deux tiers ne doit pas être vide (créer une progression comme mettre un deuxième élément plus éloigné en perspective ou de luminosité plus claire ou de tonalité plus douce).
8- Utiliser les lignes droites naturelles pour conduire l'œil vers le point important de l'image. Les diagonales (au moins 2 lignes) dirigent le point d'origine et de fuite d'un mouvement. Deux lignes parallèles soulignent la stabilité à l'image.
9- Prendre des photos depuis une position en hauteur et pointer vers le bas, vers le sol. Cela montre une perspective très intéressante à l'image, surtout si on se focalise sur quelques personnes avec souvent un espace négatif très spacieux. Cette vision d'ensemble apporte un effet théâtral à la composition ou un détachement émotionnel, c'est le point de vue des dieux.
10- Capturer des photos avec un sujet symétrique important (parfait pour le paysage urbain ou naturel). Il faut se tenir précisément au point central de la symétrie du sujet. Et pour les sujets liés à l'architecture, il faut écarter tout point de vue qui créerait une distorsion dans la symétrie.
11- Dans le grand espace d'un paysage naturel ou urbain, il faut toujours observer une impression de profondeur, du premier vers l'arrière plan pour donner une perspective ou une échelle et éviter un aspect aplati en 2D, sans référence et sans relief. Repérer une ligne fuyante (route, chemin, grande courbe) qui part du premier plan, au plan moyen vers l'arrière-plan. Trouver un élément à mettre au premier plan pour créer cette profondeur dans l'espace. Cet effet de profondeur peut aussi être utilisé dans des espaces plus restreints et créer une sorte d'histoire (le bras allongé vers l'objectif, une autre personne ou un élément de décors devant ou derrière le sujet principal…). Pour effacer la foule, prendre des poses très longues (petite ouverture, petit ISO, filtre neutre) avec un trépied, ou repérer des endroits surélevés pour rendre petits les gens et les voitures, ou se poser face à un plan d'eau ou un emplacement comparable où il n'y a personne.
12- En milieu urbain: prendre des silhouettes (en contrejour ou en fort contraste de lumière ou fort contraste de couleur de vêtement).
    Jouer avec des réflexions ou des reflets (miroir, vitrine, flaque d'eau, rétroviseur, reflet d'une plaque métallique…).
13- Arranger une balance des objets bien répartis dans l'image pour équilibrer le “poids” des objets et l'espace qu'ils occupent dans une composition.
14- Les jeux de lumière.
    Trouver un fort contraste entre le sujet et l'arrière-plan.
    Découvrir l'équilibre entre le clair et le sombre. Une image n'a pas à obéir à la règle des tiers du moment qu'elle respecte cette balance entre le poids du clair et du sombre. La balance est à comprendre au sens littéral, car c'est l'œil qui fait pencher cet équilibre. Les parties sombres portent un “poids” plus lourd que les zones claires plus légères, donc, souvent, la zone claire occupera plus d'espace que la sombre pour rester équilibrée.
15- La direction de la lecture par l'œil raconte l'histoire de la photo par un début et une fin. Nous lisons de gauche à droite, par habitude, notre œil va suivre l'histoire de la photo dans le même sens. Orienter la photo pour créer une lecture progressive de cette histoire (nécessite un recadrage, un retournement, une inversion du sens de l'image) de la gauche vers la droite. Pour une direction autre que de la gauche vers la droite, souvent, la lecture par l'œil va aussi du sombre vers le clair parce qu'attiré par la lumière. Également, les diagonales et les lignes fuyantes donnent le point de départ et le cheminement de la lecture par l'œil.

Astuces pour le portrait

1- Prendre une photo de portrait en se positionnant plus bas que le modèle, l'angle de l'appareil pointe vers le haut. 2e possibilité : l'objectif doit être au niveau des narines qui sont le centre du visage. 3e possibilité : l'objectif est au niveau du troisième œil, le sujet reste tête droite et lève les yeux vers l'objectif. Se servir d'un objectif de 50 ou 80 millimètres (en équivalent 35mm) ou un zoom ×2 ou ×3, avec l'ouverture la plus ouverte possible autour de F2 pour un arrière-plan flou (qui met en valeur le sujet).
2- Utiliser la technique du cadre, cela donne de la profondeur, une histoire, un contexte. Placer le sujet au milieu d'un cadre, par exemple une porte, une fenêtre, deux colonnes, deux arbres, devant ou à travers ces cadres, ou toute composition symétrique comme le reflet du miroir, deux personnes en avant plan et floues et le sujet au centre net. Cela encadre le portrait ou le modèle, c'est encore plus imposant en orientant l'appareil en mode portrait.
3- Utiliser un espace négatif pour diriger toute l'attention sur le sujet. L'espace négatif survient quand la majorité de la composition ou de l'arrière-plan est neutre où aucun détail particulier n'est mis en avant. Cela peut être un mur, un grand escalier ou tout autre motif quelconque. Le sujet sera dans un coin de la photo environné d'un large espace négatif.
4- Utiliser les ombres portées pour ajouter de la profondeur et de la dimension au portrait. La lumière doit être basse (presque à l'horizontale), elle éclaire directement le sujet et son ombre est portée sur un mur ou tout espace négatif. Il est préférable d'employer un zoom long ×3 ou ×4, et une ouverture entre F2,8 et F4. Si le soleil est bas, faire en sorte que le modèle regarde le soleil même si c'est difficile (il ferme les yeux et, au moment de prendre la photo, il ouvre les yeux).
5- Mettre son sujet à l'aise, il doit être ou agir au “naturel”, en ayant une communication légère et facile, en partageant les photos, même si le résultat n'est pas celui qu'on souhaite (ce n'est pas la faute du modèle, c'est le photographe qui ne trouve pas la bonne façon), toujours garder une bonne expression pour que le modèle reste détendu. La distance est importante, personne n'aime avoir un appareil photo trop proche de soi. Le sourire n'est pas obligatoire, le sourire est un masque, effacer cela pour voir une vraie représentation. Observer le sujet et regarder ce qu'il fait quand il ne pose pas et utiliser cela comme un guide pour sa pose. Prendre la photo en faisant croire qu'on s'occupe à autre chose (en feintant) pour garder la spontanéité du modèle. Ne pas s'inquiéter de ce que les sujets pensent, ils sont surtout préoccupés par eux-mêmes et non par le photographe.
6- Les yeux sont le centre d'attention (pas juste la mise au point), penser à ce que les yeux font, où regardent-ils ?
7- Placer l'œil dominant sur la ligne verticale centrale de la photo. Cela donne l'impression que le regard nous suit !
8- Examiner la mise en scène, la relation entre le premier plan et l'arrière-plan. Choisir quoi inclure et exclure. Parfois, l'arrière-plan en dit plus sur le sujet que la personne elle-même, il présente le contexte, donc il ne faut pas le flouter avec une grande ouverture.
9- La lumière crée une atmosphère, une ambiance et des formes. Cela plante le décor pour mettre en scène le sujet.

Photos de famille spontanée ou reportage sur des gens en action

1- Utiliser une ouverture entre F4 et F5,6, pour obtenir une bonne netteté sur le sujet avec un très léger flou de l'arrière plan, car souvent il y a plusieurs personnes à photographier en même temps, le léger flou focalise l'attention sur les sujets.
2- Une bonne lumière donne une vitesse d'obturation rapide et une image nette (quand tout le monde bouge sans poser). Choisir un zoom assez fort avec une vitesse rapide ou un ISO plus élevé pour ne pas déranger les gens dans leurs interactions. Le mieux est d'avoir une lumière rasante en début de matinée ou en fin de journée. Photographier les gens en train d'interagir.
3- Ce n'est pas grave si certaines personnes tournent le dos quand on peut les reconnaitre ou que l'on sait leur rôle au sein de la famille, du moment qu'on prend les gens qui sont impliqués dans ce qu'ils font. L'essentiel est de montrer l'énergie qui se dégage de la composition. Toujours prendre les images en mode rafale car les gens sont photographiés dans l'action.
4- Enfin, les photos orientées au format portrait sont idéales quand on veut produire des tirages de grande dimension à accrocher au mur ou dans un cadre à poser (focalisation exclusive sur la personne et pas sur l'environnement).

Photos en noir et blanc

1- Planifier pour photographier en noir et blanc. Pourquoi prendre la photo en noir et blanc ? C'est le bloc fondamental de l'écriture de la lumière (photo - graphie). Cela confère une esthétique plus intemporelle où la couleur pourrait donner une idée de la date ou une distraction inutile. La photographie en noir et blanc est devenue un art avec ses codes et ses exigences.
2- Regarder le côté abstrait de la composition. Mettre en avant des oppositions de lumière, l'importance de l'espace négatif, ligne, forme, motif, texture, contraste. Sans la couleur, cela donne un canevas de formes et de tonalités.
3- Prendre la photo avec des filtres de couleur. Par exemple, le filtre rouge forme un ciel théâtral, quand on offre une place très importante au ciel, elle écrase le reste de la photo pour lui accorder une envergure démesurée. Le filtre vert uniformise le grain de peau d'un portrait. Le filtre jaune ajoute un léger contraste supplémentaire.
4- Utiliser l'HDR en prenant des expositions multiples au format brut sans traitement (RAW), pour obtenir la plus grande plage dynamique et avoir ainsi le maximum de contrôle possible sur la retouche des clairs / obscurs.
5- Éclaircir et assombrir pendant le traitement de la photo. Avec le noir et blanc, on a beaucoup plus de latitudes pour aller dans les extrêmes et jouer sur tous les plans, les textures, les contrastes… On façonne la photo.
6- Utiliser un temps d'exposition long. Cela aide à distinguer les différences de textures, idéal avec l'eau en mouvement, la fumée… Employer un filtre polarisant est pratique pour supprimer les réflexions superflues. Cela met en avant, non pas un sujet, mais le lieu qu'on photographie, avec une impression du temps qui passe.
7- Une bonne photo en noir et blanc possède du vrai noir et du vrai blanc ainsi que toutes les tonalités de gris. Il faut trouver toutes les tonalités de lumières dans l'image, cela lui donne un caractère complet (mais pas besoin d'avoir une quantité équilibrée de tonalités). Voir le point 14 des Styles sur le “poids” du clair et du sombre.
8- Comprendre comment le passage au noir et blanc influence la lumière et l'ambiance. Toute la couleur et l'impression chaude ou froide apportée par la lumière du soleil n'existent plus, elle est remplacée par le contraste. La lumière directe du soleil donne un contraste très fort et donc une focalisation très intense ou dramatique sur le sujet, la texture ou le côté abstrait. Un temps nuageux ou une lumière diffuse apporte un sentiment plus serein par son absence de contraste tranchant.
9- Utiliser le noir et blanc pour accentuer l'ambiance ou l'humeur des gens. Un portrait en noir et blanc intensifie l'expression et la tonalité émotive de la photo, donnant une connexion plus forte avec le spectateur. À cause de cela, il faut porter toute son attention aux yeux qui transmettent cette émotion. Les yeux sont une partie importante de la manière dont nous lisons les expressions des gens, ils contiennent aussi des noirs et des blancs extrêmes.
10- Puisqu'on change tout en abandonnant la couleur, autant faire de même pour le cadrage qui doit être radicalement transformé en variant la perspective, les angles ou les points de vues différents.
11- Rompre avec le conformisme. Essayer de prendre une photo en noir et blanc d'un sujet qui serait logiquement en couleur. Cela provoque le regard du spectateur sur quelque chose d'inattendu, sur la forme, la texture… C'est la photo couleur convertie en noir et blanc qui va donner un aspect scénique et théâtral au sujet, et qui excite l'impact et l'intérêt visuel. Les images qui, à la base, possèdent peu de lumière ont tendance à ne pas faire de bonnes photos en noir et blanc.
12- Au lieu de faire du noir et blanc, faire du monochromatique où la même couleur apparait dans toute l'image avec différentes tonalités, ou avec deux couleurs proches. On peut profiter d'un sujet naturellement monochromatique qui se trouve souvent dans un paysage comme le vert ou le brun (un élément naturel, une vue macroscopique). On peut colorier le sujet par la retouche, à condition que la tonalité de couleur semble être une des couleurs naturelles du sujet.

Astuce pour la retouche

1- Pour une couleur de peau équilibrée (quelle que soit la couleur de peau), générer un fort flou sur le visage et prendre à la pipette la couleur de peau médiane en CMJN. L'équilibre se trouve en lisant le chiffre du Cyan comme référence, puis le Magenta = Cyan × 2, et le Jaune = Magenta × 1,25. Si le cyan, magenta et jaune ne correspondent pas approximativement à ces valeurs, alors il faut les corriger. Ajuster les couleurs avec la Courbe de tonalités RVB autour des points d'entrées 60 à 70/255 ou 38%. Avec la courbe de tonalité rouge, en + donne plus de rouge, en - donne plus de cyan. Avec la courbe de tonalité verte, en + donne plus de vert, en - donne plus de magenta. Avec la courbe de tonalité bleue, en + donne plus de bleu, en - donne plus de jaune.
2- Pour embellir le visage : éclaircir le blanc des yeux, assombrir les cils, les sourcils et la paupière supérieure, assombrir ou éclaircir autour des narines et des bas de la mâchoire pour créer du relief, assombrir ou éclaircir les lèvres pour l'humeur.
3- L'équilibre de lumière et de couleur se fera sur le sujet. Tant pis pour le reste de l'image qui n'est là que pour mettre en valeur le sujet.

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